STOP MOTION

1. Concepto de animación

La animación es una simulación del movimiento producida mediante imágenes que se crearon una por una. Al proyectar sucesivamente estas imágenes se produce una ilusión de movimiento por la persistencia retiniana: el ojo humano conserva durante una fracción de segundo la impresión dejada por un objeto luminoso.

En el cine las imágenes necesarias para crear sensación de realismo son 24 por segundo. Se graba una fotografía de la imagen cada venticatroavo de segundo.

EN VIDEO DIGITAL EL NÚMERO DE IMÁGENES POR SEGUNDO ES 25.

En la animación las imágenes se producen individualmente y se pueden repetir en varios fotogramas. Para crear el movimiento podemos utilizar varias tasas de repetición:

• Cada imagen es diferente, sin repetición. 24 imágenes por segundo, 1 imagen cada fotograma.
• Cada imagen se repíte dos veces. 12 imágenes por segundo, 1 imagen cada 2 fotogramas.
• Cada imagen se repíte tres veces. 8 imágenes por segundo, 1 imagen cada 3 fotogramas. Comienza a perderse la continuidad del movimiento.

IMPORTANTE: Diferentes elementos de una imagen se pueden animar por separado y por lo tanto dentro de la misma escena puede haber elementos con diferentes tasas de animación o estáticos.

ESPACIO - TIEMPO

El ritmo del movimiento es la relación que se establece entre el espacio y el tiempo. La práctica nos permíte controlar la velocidad de los movimientos de nuestra animación teniendo en cuenta estos dos factores.

La combinación y el juego con ambos deben permitirnos experimentar las infinitas posibilidades creativas de la animación.

El espacio es la variación de movimiento entre un dibujo o posición y el siguiente y determina la amplitud del desplazamiento.

El tiempo es la duración de cada una de las imágenes que determinan también la duración total del movimiento. La tasa de repetición de cada una de las imágenes puede variar en un mismo movimiento en función del resultado que nosotros deseemos.

MOVIMIENTO DE UNA PELOTA.

En el punto más alto se hace más lenta.

Los dibujos menos espaciados vuelven a su forma natural.

Cuando la pelota golpea el súelo se comprime.

2. Técnicas de animación

En el apartado “Como se fai unha película animada" del libro Iniciación a la animación (Consorcio Audiovisual de Galicia) teneis una descripción de todo el proceso de creación y de las principales técnicas de animación.

VAMOS A INCIDIR EN ALGUNAS QUE SE PUEDEN UTILIZAR EN LAS AULAS.

DIBUJOS ANIMADOS

Animación tradicional que se crea dibujando cada cuadro.

Terminado el guión pasamos al storyboard que permite al equipo de animación planificar la acción de los personajes y los fondos de los escenarios.

Antes de empezar a animar tendremos en cuenta el sonido ( diálogos, música ... ) ya que es más fácil ajustar la animación al sonido que al revés. Por eso es aconsejable grabar una pista de audio preliminar con los elementos que puedan influir en la animación y el resto se añade en la etapa de postproducción.

El animatic es una previsualización en la que se reúnen las imágenes del storyboard, con la duración de cada plano, con la pista de audio preliminar de forma sincronizada. Su utilidad consiste en encontrar posibles errores en la duración de las escenas y en el guión. De esta forma se evita realizar trabajo inútil en la animación.

El siguiente paso es, por un lado, diseñar los personajes creando las posturas más comúnes y diferentes puntos de vista, y por otra, crear los fondos.

La hoja de exposición es una tabla que contiene un desglose de la acción, el diálogo y el sonido para cada plano de la animación y sirve como guía a los animadores.

Layout. Se determina el encuadre, ángulo y luz de los fondos de cada un de los planos. Estos dibujos son utilizados por los animadores para mover los personajes dentro de cada espacio.

Tomando como referencia los layouts se píntan los fondos mientras se hace la animación.

Animación. Los animadores dibujan en hojas de papel perforadas que se colocan en las regletas. Teniendo en cuenta la duración del plano el animador dibuja los cuadros clave de un movimiento empleando los layouts como guía. Dibuja los cuadros suficientes para describir la acción.

Después se completan los cuadros intermedios entre clave y clave.

Se puede comprobar la animación hecha grabando una prueba.

Esta técnica de animación es muy laboriosa por eso es recomendable que una misma historia sea desarrollada por un grupo muy amplio. De esta forma cada alumno será responsable de animar un plano del guión.

STOP MOTION

Animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u otros materiales. Grabación fotograma a fotograma.

En un rincón del aula se coloca el set de rodaje con los decorados y las figuras a animar. Se ilumina la escena y se encuadra el plano deseado. Los muñecos articulados pueden realizar una gran variedad de movimientos. Para lograr la sensación de movimiento, se coloca el muñeco en la posición inicial elegida, se capta una foto y después se mueve un poco para tomar otra.

Controlar los movimientos de nuestros personajes requiere tiempo y paciencia por eso es importante hacer prácticas.

ANIMACIÓN DE RECORTES

Se usan figuras recortadas de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con recortes de las diferentes partes móviles. Moviendo y sustituyendo las partes se obtienen diversas poses y se da vida al personaje.

Se puede crear también una animación de formas abstractas como planos de color.

3. Visionado de obras

A través de Internet buscar obras con técnicas de animación diferentes para fomentar la creatividad de los alumnos y alumnas.

Algunos autores interesantes estan recogidos en el libro Iniciación a la animación. (Oskar Fischinger, Bruno Bozzetto, Jirí Trnka ... ).

A través de internet se pueden visionar muchas obras de animación de estos y otros autores.

TRABAJO EN EQUIPO

Una obra cinematográfica es fruto del trabajo de muchas personas con muy diversas funciones y aportaciones, desde las más creativas hasta las más técnicas. Tras la propuesta de trabajo se organizan los diferentes grupos que estarán formados por un número de alumnos y alumnas en función de la propuesta.

Cada uno de los alumnos debe tener una función específica en cada una de las fases de creación.

A continuación, en el desarrollo del proceso creativo, se reparten las funciones en cada fase de producción.

EN EL CASO DE LA ANIMACIÓN, LAS PROPUESTAS PUEDEN SER TANTO PARA UN GRUPO DE NÚMERO VARIABLE COMO INDIVIDUALES, LO QUE VA A CONDICIONAR ALGUNOS ASPECTOS DE LA ORGANIZACIÓN.

PROCESO DE CREACIÓN

En este apartado vamos a desarrollar todo el proceso creativo para la elaboración de un proyecto de animación, desde la idea inicial hasta la obra definitiva, lista para exhibir. También la organización del grupo y las tareas de cada miembro en las diferentes fases.

PREPRODUCCIÓN

Esta fase es muy importante porque desarrollamos la idea, creamos el guión y preparamos todos los detalles previos al rodaje.

El profesor, tras impartir los conocimientos teóricos mínimos del lenguaje audiovisual y de la animación, va a proponer la actividad a realizar que delimita muchos de los aspectos de la obra como temática, duración, organización, método de trabajo...

El trabajo, desde el inicio, debe estar guiado y concretado con el fin de que los alumnos lleguen a un resultado de calidad que refleje todo el esfuerzo realizado.

El trabajo en la animación es muy costoso y por eso las propuestas deben estar muy dirigidas para que no desborden a los alumnos.

Al final de la unidad didáctica se encuentran las propuestas que pretenden adecuarse a sus posibilidades creativas, organizativas y a los medios disponibles para intentar alcanzar ese objetivo.

■ La idea.

A partir de la propuesta y organizados los grupos, deben elaborarse las ideas sobre las que vamos a desarrollar el argumento de nuestra obra audiovisual.

Las posibilidades creativas y artísticas en la animación son muchas y los alumnos deben hacer volar su imaginación.

EL SIGUIENTE PROCESO DEBE VARIAR EN FUNCIÓN DE LA PROPUESTA.

Una idea no es una historia y llegar a alguna conclusión necesita recorrer una serie de pasos:

1° Cada uno de los miembros del grupo, individualmente, anotará todas las ideas que se le ocurran sobre la propuesta del profesor y finalmente desarrollará una en un pequeño argumento de 3 a 8 lineas (Story Line). Cuando intentemos obtener una historia de la idea se pueden dar tres circunstancias:

• No obtenemos nada en claro y la desechamos.
• Surge un storyline que nos resulta potencialmente atractivo.

-Obtenemos un storyline que no conserva nada de la idea original pero nos

parece interesante.

2° Puesta en común con la lectura de cada uno de los argumentos y debate en torno a cual puede ser la mejor historia. Valorar además de la originalidad de la historia las posibilidades reales de llevarla a cabo.

Los alumnos deben hacer el esfuerzo de escuchar a los demás y debatir sobre las distintas propuestas. Con el mayor consenso posible y guiados por la mayoría se elegirá una de las historias.

3° Trabajar el story line, para hacerlo más interesante, con las aportaciones del resto del grupo.

Dos o tres alumnos, entre ellos el creador de la idea original y el director, se encargarán del desarrollo de las diferentes fases que conducirán al guión definitivo.

• Sinopsis.

Breve resumen de una página máximo donde ya se especifican los personajes, las acciones principales y las intenciones. No contienen diálogos y su forma debe ser clara y concisa.

• Tratamiento.

Descripción detallada de la película. Todavía no aparecen los diálogos pero sí todos los personajes, situaciones y acciones desde una perspectiva literaria.

Tener en cuenta aspectos básicos de toda narración como el tema, el objetivo, la meta del protagonista y los conflictos que se van a crear.

Puesta en común con el grupo para aportar sugerencias o nuevas ideas que mejoren la historia.

• Guión literario.

Contiene las acciones y los diálogos y es el instrumento de trabajo de todo el equipo de rodaje, tanto técnicos como actores e actrices.

El guión literario consiste en la presentación narrativa y ordenada de las acciones y diálogos, todo estructurado en secuencias y dispuesto para ser llevado a la pantalla.

Tiene que ser lingüisticamente sencillo y formalmente directo (en presente).

El guión debe tener una fase de exposición, otra de desarrollo y una fase de desenlace o final.

Hacer varias lecturas y revisiones del guión. Las diferentes versiones conseguirán reducirlo a su esencia para hacerlo ameno e interesante y mantener la atención del espectador.

CONSEJO:    No pongamos trabas a    nuestra imaginación, pero seamos realistas

y consideremos los medios disponibles.

• Guión técnico.

Es la planificación previa del director de todas las secuencias o escenas. Este método permite preparar con mayor concreción las necesidades para cada plano. El director redacta el guión técnico señalando en cada plano los diferentes aspectos del lenguaje audiovisual: la localización de la cámara y los tamaños de plano (general, medio, primer plano...), ángulos de la toma (picado, a ras de suelo...), los movimientos de cámara (panorámica, steadycam, travelling...), las transiciones entre planos (fundidos, encadenados...).

En la animación es conveniente elaborar el guión técnico junto con el Storyboard.

• Storyboard.

Presentación en dibujos o fotografías del guión técnico.

A modo de cómic se presenta cada uno de los planos que narran la historia.

Posee su propia nomenclatura de signos (flechas para indicar que tres dibujos consecutivos serán el mismo plano rodado en movimiento...) y abreviaturas.

Uno de los miembros del grupo que domine el dibujo será el encargado de hacer el storyboard junto con el guión técnico.

Ficha Storyboard.

• Diseño de personajes y decorados.

Animaciones tridimensionales o de recortes.

En su construcción pueden y deben utilizarse materiales de desecho tanto para el diseño de los personajes como para la elaboración de los fondos o decorados.

La construcción debe ser firme en aquello que no va a moverse para evitar problemas en el rodaje.

Animación de dibujos.

Los elementos o personajes deben ser muy sencillos para que no dificulten más su movimiento.

CONSEJO: El diseño de los elementos que van a animarse debe ser sencillo.

PRODUCCIÓN

• Construcción de personajes y decorados.

Tener en cuenta todos aquellos elementos plásticos que contribuyan a la narración de la historia como los materiales, las formas, el color, las texturas, la

tridimensionalidad en los decorados con diferentes grados de profundidad...

Los materiales deben permitir que la construcción sea sólida.

En el caso de los personajes deben hacer los movimientos con libertad y precisión para que en el rodaje no se deshagan.

• Animación.

1. STOP MOTION Y ANIMACIÓN DE RECORTES.

En estos casos la animación se hace directamente en el set de rodaje, por lo tanto, es necesario ensayar ésta y hacer pruebas iniciales directamente en cámara para comprobar el resultado y modificar si es el caso.

2. DIBUJOS ANIMADOS.

El proceso de animación es laborioso.

Necesitamos una regleta o similar y hojas perforadas que se introducen en ésta para crear la continuidad entre un dibujo y los siguientes. También una mesa de luz que nos permite observar el dibujo anterior al que estamos haciendo. (No es imprescindible).

Proceso de animación:

• En una hoja tenemos que dibujar el encuadre con las proporciones de la imagen de cámara. (Ejemplo 16:9 panorámico). Dentro de éste se va a realizar la animación. Todos los animadores tendrán esta hoja que se coloca debajo del resto.
• Comprobar el movimiento que se va a realizar.
• Crear los dibujos claves del movimiento.

Son los más representativos de las distintas fases de la animación.

• Hacer las intercalaciones o dibujos intermedios  entre    claves.
• En la parte inferior de las hojas, y fuera del encuadre, señalar el número de

plano y el número de dibujo para evitar errores en el rodaje.

Es muy importante una buena organización de los dibujos de cada uno de los planos para evitar pérdidas y confusiones. Las animaciones deben ser sencillas.

En este tipo de animación la propuesta debe ser para un grupo amplio de tal forma que cada uno haga un plano o un pequeño fragmento que luego editados completen una obra.

• Set de rodaje.

1. STOP MOTION Y ANIMACIÓN DE RECORTES.

1. Todos los elementos fijos como decorados, luces y cámara deben estar bien sujetos. Cualquier movimiento de estos durante el rodaje provocará la repetición de todo el plano grabado. Si la cámara está en un trípode hay que sujetarlo al suelo con cinta adhesiva.

2. Si tenemos que dejar montado todo el set para un próximo día, en función de la duración del rodaje, ocupar un espacio seguro del aula.
3. Hacer un buen decorado, teniendo en cuenta los colores, y utilizar una buena iluminación para que el resultado visual sea interesante.

Se pueden utilizar luces de color colocando filtros (acetatos).

Tener especial cuidado con las sombras.

4. Conectada la cámara de vídeo digital al PC visualizamos la imagen a grabar con el software correspondiente. Cuando la calidad sea buena empezar a grabar.

El manejo del programa Stop Motion es muy sencillo y nos permite ver la imagen a grabar y el resultado de la animación hecha con el fin de corregir posibles fallos en ese mismo instante.

También podemos variar las duraciones de cada dibujo repetiendo la imagen las veces que necesitemos.

2. DIBUJOS ANIMADOS.

1. Se coloca la regleta en la base del set de rodaje fijada con adhesivo y la hoja con el encuadre para hacerla coincidir con el de la cámara.

Ver Set de rodaje en el apartado MATERIAL.

2. A continuación, se coloca cada dibujo por orden de numeración en la regleta y se graba con el sotfware stop motion con la duración correspondiente. Con una duración de dos frames por dibujo el movimiento ya es muy fluído (12 imagenes por segundo).

CONSEJO: En cada jornada de rodaje dejar el último plano terminado.

POSTPRODUCCIÓN

• Edición y Sonorización.

Proceso de unión de dos planos medidos y ordenados, para dotar de estructura el relato fílmico.

Las técnicas de montaje sirven a la continuidad narrativa presente tanto en la imagen como en el sonido.

FASES

1. - Visionado de los planos grabados.
2. -Edición. Esta labor deben hacerla el director y el montador que tienen que

dominar el software de edición de vídeo elegido.

Algunos de los programas nos permiten la edición de las imágenes en pistas distintas y la creación de efectos y transiciones muy interesantes para nuestro trabajo.

En el apartado de sonido podemos tener diferentes pistas para la música, las voces y los efectos de sonido cuidando la calidad de todas ellas.

Normalmente, este apartado es el más descuidado, por lo que tenemos que hacer un especial hincapié en este, ya que de eso va a depender la calidad de nuestra obra final.

Recordar que la música existente está sujeta a derechos de autor y si no tenemos permiso no podremos exhibir la obra comercialmente ni presentarla a los certámenes de cine.

Un posible programa de edición es el PREMIERE que permite capturar vídeo desde una cámara de vídeo digital y trabajar con una gran calidad. Se pueden editar títulos de crédito y trabajar, por lo tanto, todo el proceso de postproducción hasta alcanzar la obra final.

Ritmo cinematográfico. En el apartado de la edición debemos hablar ante todo de la importancia del ritmo cinematográfico. Igual que la música, el cine tiene un ritmo interno que acompaña y subraya la narración. Este ritmo, que puede ser pausado o ágil, está presente en la duración de los planos, en las acciones que transcurren en éstos y en el sonido.

CONSEJO: Intentar evitar los efectos de imagen y sonido. Las historias editadas de manera sencilla nos permitirán controlar mejor la narración.

En la edición todo está en función de la narración.

• Exhibición y Distribución.

Una vez montada y sonorizada tenemos nuestra obra terminda y lista para su exhibición. Es fruto del trabajo de un grupo de alumnos y alumnas a lo largo de un proceso complejo donde se ponen a prueba la capacidad de superación de problemas y la constancia para llegar a una obra final.

Diseño gráfico.

En esta fase es interesante hacer el diseño gráfico para la promoción de la obra audiovisual:

-Cartel

-Carátulas DVD

FASES DE EXHIBICIÓN.

1. Aula.

2. Salón de Actos.

Ahora llega el momento de la proyección para el resto de compañeros de aula y del análisis y debate final.

3. Centro cultural.

4. Festivales de cine.

Se organiza un pase con todas las obras hechas por los alumnos del centro al resto de compañeros. Es la primera proyección ante un público mayoritario. Se puede invitar también a los padres para que sean conscientes del trabajo de sus hijos.

En el ayuntamiento del centro de enseñanza, si la cantidad y calidad de las obras lo aconsejan, se puede también hacer una proyección para los vecinos.

Existen certámenes de cortometrajes tanto escolares como aficionados donde podemos participar:

www.cinemajovefilmfest.com Encuentro Audiovisual deJóvenes. www.injuve . mtas.es

En Galicia: www .curtocircuito.o rg

www.fundacionerguete.org - Certame Ollo de vidro (escolar). www.redondelaencurto.com

Los principales festivales de animación del mundo son los siguientes:

• Annecy (Francia)
• Zagreb
• Hiroshima
• Otawa

En España los más relevantes son:

• AnimaMadrid www.animamadrid.com
• Animac (Lleida) www.animac.info
• Animat (Sitges) www.cinemasitges. com

5. Internet.

Existen muchas páginas web donde se pueden exhibir los cortometrajes y se organizan concursos.

www.notodofilmfest.com

REPARTO DE TARE AS

Estos repartos de tareas son orientativos y la actividad concreta a realizar o la propia dinámica de cada grupo llevarán a una mejor organización.

Tenemos que recordar que se trata de una labor de grupo y que, por lo tanto, en determinados momentos un compañero puede ayudar a otro en sus responsabilidades.

1. PREPRODUCCIÓN

2. PRODUCCIÓN

3. POSTPRODUCCIÓN

MATERIAL

MATERIAL COMÚN

-ORDENADOR CON TARJETA DE VIDEO -CÁMARA MINIDV O FOTOGRÁFICA DIGITAL -SOFTWARE EDICIÓN Y STOP MOTION PRO

ANIMACIÓN TRADICIONAL

-PERFORADORA

-PAPEL ANIMACIÓN PERFORADO

-REGLETAS

-MESA DE LUZ

- SET DE RODAJE

(Se puede comprar una base de reproducción sencilla en las tiendas fotográficas por 250 € aprox.)

29.7

a                o

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Papel para animación perforado

STOP MOTION

-TRÍPODE

-FOCOS

EJEMPLOS STORYBOARD